Crítica-Trabajos docentes

LA NOVIA CADÁVER: INGENIOSO FILME ANIMADO

LAYDIS SOLER MILANÉS,
estudiante de Periodismo,
Facultad de Comunicación,
Universidad de La Habana.

Una película ingeniosa, al estilo gótico, colores sombríos e historia sencilla, es La novia cadáver, animado del 2005 dirigido por el norteamericano Tim Burton, uno de los diez magníficos del cine contemporáneo.

El largometraje de 75 minutos, nominado al Óscar como mejor filme de animación, narra la trama del torpe e indeciso Víctor, un joven forzado por sus padres a casarse con Victoria. Sin embargo, mientras él ensaya los votos nupciales en el bosque, reavivará por accidente al cadáver de Emily, una muchacha asesinada hace años en ese lugar, que le exigirá matrimonio para cerrar una maldición. Este guión de John August, Caroline Thompson y Pamela Petter logra hacer una buena adaptación al cine de un cuento ruso-judío del siglo XXI con similar historia.

Burton utiliza la parada de imagen, técnica más conocida por stop motion, para dar vida al relato. Consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos, como muñecos de plastilina similares a marionetas, al usar una serie de fotografías sucesivas.

El director de cine creó, ayudado por el dibujante español Carlos Grangel y un equipo de diseñadores, más de 60 personajes con características diferentes. También se las ingenió para que mediante la expresión de sus rostros puedan comunicar al público sentimientos como tristeza, alegría y dolor.

Johnny Depp, Emily Watson y Helena Bonhan Carter, actores recurrentes en las obras del cineasta, fueron los encargados de dar voz a los protagonistas Víctor, Victoria y Emily, respectivamente, quienes son físicamente parecidos a ellos.

Otras películas del director, como Pesadilla antes de navidad, utilizan stop motion. Sin embargo, La novia cadáver se distingue por los contrastes de colores, porque irónicamente, convierte al mundo de los vivos en un pálido y triste escenario, donde abundan los negros y los grises, mientras dibuja el inframundo con pigmentos rojos y verdes, para presentarlo como un lugar alegre.

La escenografía, realizada en sets en miniatura. Está basada en la época victoriana del siglo XIX, al igual que el vestuario. Burton logra una ambientación e iluminación que llevan al espectador a sentir empatía por los personajes y sus vivencias mediante matices de oscuridad y luz.

Paisajes lúgubres, árboles torcidos y mariposas, elementos representativos de los filmes de Burton, están presentes en la obra. Además, Víctor es el clásico protagonista burtoniano de grandes ojeras, antisocial, tímido, alto, estilizado, de extremidades finas y alargadas. Estos detalles le aportan el sello del autor al largometraje.

Danny Elfman, compositor estadounidense, realizó la banda sonora. Las canciones, lejos de ser un adorno caprichoso, conforman una herramienta para narrar la historia. Destacan According to plan, tema inicial del filme, y The remains of the day, con ritmo de jazz.

La película animada no es recomendable para niños, pues aborda de forma directa a la muerte y presenta personajes terroríficos para los más pequeños. Es una producción realizada para el disfrute de adultos y adolescentes que prefieren una oferta fílmica novedosa en cuanto a buena música y animación inteligente. Constituye una propuesta entretenida con tonos de humor e ironía.

VUELTABAJO EN LA PIEL DE MEDEA

LISANDRA AGUILAR WONG,
estudiante de primer año de Periodismo,
Facultad de Comunicación,
Universidad de La Habana.
Foto: YURIS NÓRIDO.

Entre un Jasón en busca de oro y una Medea traicionada, capaz de dejarse arrastrar por los celos y cometer así los actos más inhumanos, la actriz y directora pinareña Milva Benítez Reinoso vistió la piel de uno de los personajes más polémicos de la mitología griega.

Medea sueña Corinto, puesta en escena del grupo habanero Teatro  del Puerto, tuvo su estreno fuera de la capital en las tablas del José Jacinto Milanés, de Pinar del Río.

El mar, la silla con una calavera en alusión a su esposo Jasón y en la esquina del escenario, los libros de los escritores que la “han calumniado”, entre ellos Séneca y Corneille, conformaron, puestos en función de la historia, la escenografía de la obra.
 
A pesar de tener tan poco a la vista, el objetivo de estos elementos fue llamar la atención del público de manera convincente, para acercarlo a aquella mujer discriminada como emigrante y madre, a la cual las riquezas la cegaron.

El monólogo, con guión de Abelardo Estorino, merecedor de los Premios Nacionales de Literatura y Teatro, matizó el conflicto clásico de Medea, Jasón y el vellocino de oro a partir del humor, la contemporaneidad y cubanía, pues incluyó hasta los criollos tamales y coquitos.
 
También Estorino dotó al personaje de una problemática de estos y  todos los tiempos: la necesidad de salir adelante económicamente cueste lo que cueste.

No  existió un único mensaje para llevarse a casa, este fue propio de cada persona que disfrutó del espectáculo auspiciado por el Consejo Nacional de Artes Escénicas, el centro de Teatro de la Habana y la Casa Editorial Tablas-Alarcos.

Con la música original de César López, cada ritmo jugó con su escena, así, los ocasionales bailes afrocubanos mostraron continuidad de la mezcla del personaje grecolatino con la transculturación que existe en el espacio escénico dentro del país.

Por otra parte, la de cabaret, cuya armonía es sinónimo de gloria, fue utilizada como símbolo de conquista de Corinto, la nueva ciudad a la que llegaban, y de poder por la naciente posición social. Sin embargo, la acústica del teatro no fue la más adecuada, el audio se escuchaba en ocasiones demasiado alto y no se percibían con claridad los textos de la actriz.

El vestuario, a cargo de Vladimir Cuenca, fue confeccionado de forma sencilla, pero dotado de un tono espartano. Las luces verdes y azules variaron junto a los estados de ánimo y con el apoyo de la blancura del rostro de la actriz, lograda a través del maquillaje, ofrecieron  un fuerte dramatismo por momentos en los que se reflejó el misterio en sus movimientos, la maldad en su risa y la angustia en la mirada.

La puesta en escena mostró a una Medea que, a pesar de estar fuera de su célebre contexto griego, no perdió la esencia, pues también se evidenció la ayuda prestada a su esposo Jasón, mediante conjuros mágicos, con el fin de conseguir el vellocino de oro y paralelamente todas las desgracias que esto trajo consigo, entre ellas, la muerte de sus hijos a causa de los celos, tal como sucedió en el mito clásico.

Al finalizar, cuando los aplausos del público se apoderaron de la actriz, esta corrió a quitarse el maquillaje. Al regresar, Medea volvió a ser Milva. Aún sobre el escenario, se exigió cambios y le dijo adiós a una mujer que intentó justificar la tragedia con no más recursos que vistiendo a Vueltabajo con su piel.

 

¿QUIERES SER MILLONARIO?

VI TRAN KIM TUONG,
estudiante de primer año de Periodismo,
Facultad de Comunicación,
Universidad de la Habana.

Bollywood es el nombre informal popularmente usado para la industria cinematográfica de Hindi, ubicada en la India. Este término, en la década de 1980-1990, llegó con producciones inolvidables y con el auge de las reconocidas obras del cine indio.

Slumdog Millionaire, en español ¿Quieres ser millonario?, es una película del 2008, también producción de Bollywood, y basada en la novela homónima del novelista y diplomático indio Vikas Swarup. Está ambientada en la India y centrada en la pobreza, el dinero y los prejuicios.

La obra es como la adaptación del sueño americano aplicado a los indios. El protagonista es Jamal (Dev Patel), un muchacho que vive en un basurero. Después de un accidente de su familia, se quedó solo con su hermano y debía ganar dinero a una edad muy temprana.

Él decidió ir a un concurso llamado Quién quiere ser millonario, un programa de televisión. Le causó asombro que las preguntas que le hicieron eran iguales a las cosas que le ocurrieron en su vida. Asimismo, de un muchacho normal se convierte en un millonario.

Esta película es una de las mejores historias de amor, es un poco rara, pero impresionante y un poco dura. Los cineastas viajaron a Bombay, en septiembre de 2007, con un equipo parcial, e iniciaron la búsqueda de actores y equipo local para la producción.

Los activistas e intelectuales indios la han denunciado por considerar que denigra a su país con su retrato de la pobreza y la violencia, la utilización de actores infantiles y la escena en la que un grupo de fanáticos hindúes atacan a una comunidad musulmana.

La forma de dirigir de Danny Boyle, quizá fuera idónea para un filme tan arriesgado, y era inteligente porque esa cámara nerviosa, ese montaje sincopado, se acercaban con gran precisión.

El director ha planteado esta historia de amor imposible y también dirige exactamente igual una escena de suspenso que de acción, un momento íntimo que uno general o abstracto.

No puede negarse que Slumdog Millionaire tiene una ejecución técnica interesante, de acuerdo con el nuevo cine fragmentario del siglo XXI, con muchas escenas y tomas superpuestas, un ritmo frenético, analepsia, variedad musical, abuso de primeros planos.

El problema del filme es que nos presenta a una India que parece el infierno y a un protagonista que se antoja de ser un héroe, más por su astucia que por su fuerza. Y es que ésta no es una película de buenas interpretaciones, una obra para admirar el trabajo de los actores, sino un filme de efectos, de pirotecnia musical, de acción a raudales.

Especialmente es la banda sonora, la canción se llama Jaiho (Tú eres mi destino). El compositor la planeó durante dos meses y la completó en dos semanas y ganó el Oscar a la mejor canción original.

Slumdog Millionaire no es tan solo entretenida sino que también refleja la verdad sobre la sociedad actual en la India. Obtuvo un gran éxito con 176 millones de dólares y los protagonistas fueron famosos en todo del mundo. Trajo una nueva sensación a las personas que les gusta el arte.

Ganó el Oscar a la mejor película y también en el Festival Internacional de Cine de Toronto, y fue galardonada por la Consejo Nacional de Crítica de Cine con la misma categoría en el año 2008. En el año 2009, el filme fue el más premiado y con entregas de los Premios Globo de Oro.

Como todos los relatos exitosos, Slumdog Millionaire probablemente ha tocado una fibra en mucha gente porque brinda un atisbo de verdades complejas y nos dice algo acerca de nosotros mismos que teníamos dificultad en definir. Por eso, la noche de los Oscar, en Hollywood, no honró a una película “extranjera”, sino a una obra extrañamente familiar.

Pie de foto: Slumdog Millionaire, una película por Danny Boyle.

 

ENDEDANS BAILA CON PALILLOS

JOSÉ ERNESTO GONZÁLEZ MOSQUERA,
estudiante de tercer año de Periodismo,
Facultad de Comunicación,
Universidad de La Habana.

¿Quién soy? ¿Quién quiero ser? ¿Debo dejar de ser yo? Cuestionamientos que subyacen en la más reciente entrega de la compañía camagüeyana Ballet Contemporáneo Endedans que, bajo la guía de la maestra y coreógrafa Tania Vergara, siempre propone novísimas formas de acercarse a la danza.

Llegó a La Habana con 40 palillos x 10 pesos, coreografía firmada por la camagüeyana Maura Morales, quien reside actualmente en Alemania y fue galardonada recientemente con el Premio Kurt Jooss de Jóvenes Coreógrafos que otorga el país bávaro.

Esta pieza, estrenada en Camagüey en enero pasado, estuvo durante tres días en cartelera en el Teatro Mella de la capital y sigue su periplo por Cárdenas, Matanzas, en la siempre corta gira que realiza Endedans por parte del Occidente de la Isla anualmente para mostrar su trabajo.

40 palillos… no deja de ser cubanísima. No obstante su marcada conciliación con aquellos conceptos estéticos y técnicos del lenguaje danzario contemporáneo alemán y europeo, traslucen códigos y simbologías gestuales, musicales y coreográficas que aluden a situaciones y procesos socio-culturales cubanos que,  en conjunto, componen un lenguaje que se bifurca en varias historias que parten de un mismo concepto.

El ser humano en su individualidad, la psicología y los juicios internos y externos que permean la (de) formación del carácter del individuo para formar parte de un grupo en la sociedad, convirtiéndose en uno de ellos sin importar las formas y acciones que realicen, sean incluso diametralmente opuestos a sus intereses.

El propio lenguaje que despliega Morales en el discurso de la pieza permite en varios momentos la formación de historias paralelas internas del grupo confluyendo a la vez en escena: violencia, introspección, homosexualidad, superioridad, incluso miedo y autosugestión de la personalidad son sub-temas que convergen en una puesta que permite la conformación de un discurso diferente con múltiples lecturas de la realidad que nos circunda.

Hablamos de un fuerte trabajo de escena… el más mínimo espacio resulta imprescindible y recurrente para contar la historia, para  invitar constantemente a reflexionar sobre la pérdida de valores propios y universales.

40 palillos… invita a reflexionar, a formar tal vez, parte de la vida de los personajes; los bailarines saltan, giran, surgen del público como un espectador más, dialogan sin pereza con el escenario, con la escenografía poca, pero precisa, que los convida a huir de esa red que los aprisiona, de esa vida insensata que les ahoga.

Las luces y la música componen junto a la coreografía la triada angular de  la composición orgánica de la obra. Luces y sombras constantes, con estruendos y rejuegos que acorralan toda la trama apuntalándola con pregones y voces callejeras que transportan al espectador y a la raíz propia del discurso de la pieza a la realidad urbana de nuestro siglo

Son estos tal vez, los presupuestos más interesantes de la puesta acometida con dinamismo y entrega por parte de los jóvenes bailarines de la compañía camagüeyana. Cada giro, salto o expresión se concadenaba a una secuencia lógica donde nada sobraba o era indispensable al mismo tiempo.

La libertad y el realismo que le impregnaron los danzantes era contagiante, exquisita fue su ejecución en una coreografía que al decir de la propia Tania Vergara, “les exigió mucho física y mentalmente. Se les dificultó entender la gestualidad e incorporar cosas a las que no estaban acostumbrados como tocarse los genitales, el desnudo que yo no lo había incorporado a las obras de la compañía, entre otras cosas que se suceden en 40 palillos x 10 pesos”.

Una obra atractiva sin duda donde la reflexión está servida para todo aquel que pueda disfrutarla… cada palillo (persona) es diferente, cada vida es única y no se debe subordinar a nada ni nadie por agradar o formar parte de algo; ningún ser humano vale 10 pesos.

EL ROJO EN LA PLUMA DEL LORO

ROGMARY GARCÍA SÁNCHEZ,
estudiante de primer año de Periodismo,
Facultad de Comunicación,
Universidad de La Habana.

El juicio comenzó. Bini levantó la cabeza. Afirmó que Alberto Ríos era culpable. El veredicto del condenado se produjo al día siguiente. Y cuando Daniel Chavarría escribe “El rojo en la pluma del loro”, el lector queda atrapado en la realidad de los crímenes e injusticias durante las dictaduras militares en el Río de la Plata.

Dislocada en el tiempo se encuentra la narración, pues a mediados de la historia el escritor aborda los antecedentes de la trama y al inicio, por la carencia de datos importantes, surgen interrogantes sobre: ¿quiénes son los personajes?, ¿por qué actúan así?, las cuales solo pueden responderse después de la lectura de 200 páginas, de 340 que posee el ejemplar.

Ese estilo propio del policiaco, con misterio e intriga desbordante, obliga a adherirse minuto a minuto, sin receso, a las letras del volumen. La acertada disposición de los diálogos brindan voces y caracteres particulares a los protagonistas y restantes miembros de la obra. El importante empleo de oraciones simples marca momentos de tensión y suspenso.

Capítulo a capítulo, Chavarría enlaza hábilmente los escenarios y contextos, contados con menor contenido político que en “Una pica en Flandes” (2006), integrante de la colección del autor.

Alberto Ríos, antiguo torturador de la dictadura argentina que se esconde en La Habana, Aldo Bianchi, quien lo conoce y quiere acusarlo por todos sus crímenes y, Bini, “jinetera” cubana y nexo entre ambos protagonistas, conforman la compleja red del principal conflicto.

Gran demora de la explicación del nombre, “El rojo en la pluma del loro”, en contraposición con el empleo de fuertes términos y sintagmas desde la primera hoja, continuando hasta la final como mal palo, pendejo y besuqueándolo en el cuello, crean sombras de errores y confusiones en la bien lograda secuencia de pasajes.

La religión afrocubana se presenta frecuentemente en el libro, afirmando que Chavarría es un “cubano nacido en Uruguay”, según su autodenominación. Esa transculturación la evidencia mediante las palabras: Yemayá (orisha de Yoruba), babalaos y tatas paleros (títulos Yoruba que denotan a los sacerdotes de Orula) y Palo Monte (creencia desarrollada en África central y traída por los esclavos a la Mayor de las Antillas).

Asimismo, el literato aborda la prostitución con igual elegancia a la de “Adiós muchachos”, otro de sus libros, concluido en 1994. Recurrió a la mención de “puta”, “guaricandilla”, “mujer orillera”, sin embargo, el respeto primó en todo momento.

Publicado por primera vez en Cuba en el 2001 por la Editorial Casa de las Américas, luego en 2006 por Letras Cubanas y, ahora, en 2014 por la Editorial Abril, el libro le valió al autor para obtener el Premio Casa de las Américas y el Premio de la Crítica en el 2002. Además, conquistó en varias ocasiones el premio Puertas de Espejo, distinción otorgada cada año a la novela más solicitada en la red nacional de bibliotecas públicas.

Mediante un atractivo diseño de Alexander Carcedo Olivé, la cubierta y el marcaje tipográfico de la última edición atraen con una rápida mirada. La utilización de dos únicos colores, el negro que brinda intriga y el rojo para darle el tono llamativo, convierten a la imagen de la portada en fiel compañera del título.

En la presentación de “El rojo en la pluma del loro”, realizada durante la 23 Feria Internacional del Libro 2014, Luis López Nieves, Premio Nacional de Literatura de Puerto Rico, expresó: “Hacía años que no disfrutaba tanto la lectura de una novela contemporánea que sin clasificaciones es magistral”.

UNA CUESTIÓN DE TIEMPO: LECCIONES DE LA VIDA

PHUONG VU LAN (OLIVIA),
estudiante de primer año de Periodismo,
Facultad de Comunicación,
Universidad de La Habana.

About Time (en español: Una cuestión de tiempo) es una película del Reino Unido, dirigida por Richard Curtis y patrocinada por la empresa Universal Pictures Internacional, en el año 2013. El filme, con siete estrellas en la página Web de evaluación www.elseptimoarte.net, es una balada romántica y divertida sobre el amor y la familia y recuerda a los espectadores la necesidad de vivir en armonía cada minuto de nuestras vidas.

Tim Lake (Domhnall Gleeson), el actor protagonista, es un joven de 21 años, descubre que puede viajar en el tiempo, como todos los hombres de la familia, por ejemplo, su padre (Bill Nighy). Él puede regresar al pasado una y otra vez, hasta conseguir hacer "lo correcto". Así pues, Tim decide volver al pasado a intentar conquistar a Mary (Rachel McAdams), la chica de sus sueños.

El director Richard Curtis es muy arriesgado al escoger a Rachel McAdams para ser la actriz principal, porque ella también protagoniza The timetravel´s wife (La esposa de un tiempo viajado), que trata el mismo tema de transitar en el tiempo que About time. Pero la respuesta sobrepasó todas las expectativas, la belleza de esta canadiense mostró su talento y profesionalidad al interpretar con maestría a una Mary encantadora e insegura.

También, el irlandés Domhnall Gleeson, quien desempeña un papel pequeño en el filme Harry Potter y las reliquias de la muerte, con su nombre poco conocido entre los amantes del cine, conquista la muy convincente imagen de Tim, un muchacho tímido y torpe.

El diseño y la fotografía representan imágenes pintorescas, logrando una especialización técnica de primer nivel. Richard Curtis eligió los ángulos de paisajes británicos, perfectamente expresionistas, para su producto. Desde la casa de Tim, que está al lado del mar azul y un prado verde con las flores llenas de color, se puede ver el panorama del campo con espacio abierto y tranquilo.

A lo largo del filme las tomas no son tan ostentosas, sin embargo, este mismo hecho hace que los efectos especiales correspondan con el mensaje que se desea transmitir, el cual recuerda a los espectadores la vida diaria, el amor de pareja y la intimidad de cada familia.

Además, los especialistas del vestuario y maquillaje también forman una parte en la creación de la imagen para cada protagonista, desde el cabello y las características de los rostros, hasta los disfraces complejos.

Richard Curtis combinó con destreza las bandas sonoras durante 123 minutos para describir el sentimiento de los personajes y, a veces, sustituir el diálogo entre ellos. En especial, la canción How Long Will I Love You (¿Cuánto tiempo te amaré?), de Jon Boden, Sam Sweeney & Ben Coleman, que tiene una pregunta semejante a su título y, al final, los cantantes respondieron a sí mismos: solo el amor existe permanente a lo largo del tiempo. Todos estos detalles permiten al director acceder al corazón del espectador.

Para cerrar la cinta, Richard Curtis deja al protagonista principal, Tim, soliloquiar sobre las lecciones que había aprendido desde el momento que tuvo el don especial, como una manera de aconsejar a los jóvenes actuales que vivan la vida “como si hubieran decidido volver a ese día de disfrutarlo, como si fuera el último día entero de su vida”.

Richard Curtis, director inglés, quien escribió y produjo la comedia romántica Four Weddings and a Funeral (Cuatro bodas y un funeral-1994), co-creador y guionista de Mr. Bean, tuvo un gran éxito en Reino Unido tras su debut de Love Actually (2003). About Time, de nuevo, refuerza su sitio en el cine industrial no solo en su país, sino el mundo.

Aunque Una cuestión de tiempo trata de un tema no tan nuevo, pienso que las lecciones que se ofrecen el final y el humor permanente en el filme, son las razones que mantienen la atención de los espectadores hasta el último momento. La película no es solo una historia del amor sencilla, sino se enseña el deseo de los adultos de volver a la infancia entre el cariño de la familia.

DEL OTRO LADO: LIBRO DE RARA BELLEZA

LAYDIS SOLER MILANÉS,
estudiante de primer año de Periodismo,
Facultad de Comunicación,
Universidad de La Habana.

Del otro lado, libro de cuentos del ensayista y narrador cubano, Rafael de Águila, publicado en el 2010, presenta una singular belleza, pues mezcla lo cotidiano y vulgar con lo culto a la hora de mostrar con acertada claridad el pensamiento femenino actual.

Los guiones o aclaraciones de qué personaje habla en cada momento resultan innecesarios para el autor cuando relata sus historias. Él consigue, mediante un párrafo que solo acaba con el punto y final de cada cuento, mezclar con corrección descripciones, diálogos directos y elementos narrativos.

Esta simbiosis de narración y diálogo, sin distinción alguna de cuando es uno u otro, o especificación de qué persona dice los parlamentos escritos, es chocante para el lector al acercarse por primera vez a la obra. Luego, aunque a veces surjan algunas dudas, el receptor se adentra en las diversas tramas sin dificultad, adaptándose al estilo del autor.

El narrador no es el clásico omnisciente que sabe todo sobre los hechos, esta vez se limita a describir sucesos para dejar que los propios personajes rememoren el pasado, vivan el presente y añoren el futuro en un mundo no muy diferente al de la Cuba de hoy, donde jóvenes y adultos luchan por seguir sus sueños, y persisten tabúes  como la homosexualidad.

En la obra, Premio Alejo Carpentier 2010 en la modalidad de cuento, predomina el lenguaje popular. Frases obscenas y las llamadas malas palabras enfatizan la idea del autor de mostrar la forma de hablar cotidiana.

Pero, existe una contradicción, los personajes no son de poca cultura, se puede notar cuando hacen alusión a la música clásica, literatura rusa y frases en latín e inglés, por lo que tienen conocimientos suficientes para conversar coloquialmente sin llegar a vulgarismos, sin embargo, muchos caen en la chabacanería sin necesidad alguna, quizás como recurso irónico de Rafael de Águila para expresar que no solo en la marginalidad se utiliza este registro lingüístico y forma de actuar.

Algunos cuentos son graciosos, divertidos y de gran ingenio como Wagner y los cabrones, El viento y el polvo, Carpe Diem y El cielo gris de Asimos; otros tienen un argumento pobre, sin muchos misterios. En narraciones cortas es necesario lograr una historia sencilla, pero al mismo tiempo cautivadora, y a veces esto se pierde en el libro.

En los once cuentos abunda el erotismo, se hacen referencias explícitas a la sexualidad en relatos donde no es el amor lo que prevalece sino el deseo, el carácter aventurero e intrépido de la juventud, por ello la obra solo es recomendable para el público adulto.

Contextos diferentes, muchachas cuidando a una abuela senil, soldados en una guerra, gente atrapada en un elevador, el reencuentro de unos amigos en un funeral, intento de suicidio, fiestas nocturnas, entre otros, hacen partícipe al lector de situaciones cómicas y hasta las más trágicas no pierden la comicidad característica de la narrativa del autor.

Del otro lado constituye una propuesta literaria singular, principalmente por la forma desenfadada de su contar las situaciones controvertidas en las que la mujer se presenta, según Rafael de Águila, como el bálsamo contra tragedias y también como desencadenante de estas, pues ya sea de manera positiva o negativa, las féminas influyen en la sociedad cada vez más abierta en cuanto temas de la sexualidad.

SENCILLAMENTE ISMAELILLO

YOHANDRA MARÍA PORTELLES,
estudiante de primer año de Periodismo,
Facultad de Comunicación,
Universidad de la Habana.

“Va por fin Ismaelillo, que solo no lo había mandado por ser mío (…) Para venderlo no está hecho: esas son cosas del alma; y para regalo ¿a quién, sino a los que como U., conozcan bien el recodo íntimo en que nacen esas flores?”, escribió José Martí a Nicolás Domínguez Cowan, cuatro años después de terminar su libro.

Cuando en 1881 Martí se encontraba desterrado en Venezuela, lejos de su patria, esposa e hijo amado, escribió este cuaderno, que es como él dijo, “un fruto del alma”, y marcó el nacimiento de la modernidad literaria en nuestra América.

¿Por qué el título de “Ismaelillo”? Cabe preguntarse si Martí, tan aficionado a los símbolos de los árabes, considerados descendientes de Ismael, conocía la versión de estos según la cual el sacrificio impuesto a Abraham por Jehová, no recayó sobre Isaac sino sobre Ismael; y aunque su hijo fue José por él, y Francisco por el abuelo, lo bautizó así para siempre.

En todo caso, lo que él parece subrayar en ambos personajes es la condición de “hombre en lucha con el cielo”. Prometeo encadenado por su rebeldía, Ismael despojado de su herencia y expulsado al desierto. Podría decirse que Ismael, de cuya educación tan poco sabemos por el texto del Génesis, se convirtió para Martí en un paradigma ideal de “la revelación madre–hijo” que él mismo refiere en el tomo XIX de la Obras Completas.

Recordemos aquí que Ismael se hizo en el desierto tirador de arco y hombre fiero… La imagen del caballero es una constante en Ismaelillo; por ello puede interpretarse este título como “ser fuerte contra el destino”, “Dios oye”, “hombre en lucha con el cielo”.

Ismaelillo es el hijo del poeta; el amor del Apóstol a la infancia lo cristaliza en él y a él consagra los manantiales de ternura que brotan de su espíritu férvido. El deslumbramiento y la conmoción iluminada que encarnan en este título se traslucen en sus páginas y las pueblan de luz, movimiento y calor. 

Martí es, en especial con este libro, el precursor del movimiento de renovación poética que había de hallar un vocero en Rubén Darío. Su breve cuaderno, tan breve que solo consta de quince composiciones, volcadas en metro de romancillo, frágiles, ligeros y alados, encierran la inspiración de padre amantísimo.

Este poemario es, para muchos investigadores, el iniciador del modernismo en la lírica americana; cuyos versos no solo apelan al hijo como salvación de la fe puesta en los hombres por el padre, según se anuncia en el prólogo, sino que proclaman la fuerza de impulsión vital hallada por el creador en su criatura.

Trasladando esta idea al plano de la acción revolucionaria -en el cual culminan y se funden todos los actos de Martí-, la relación padre-hijo, creador-criatura, se convierte en una alegoría del binomio hombre-pueblo, resultado de la riqueza creadora, genésica, que dio origen tanto al libro como a su obra toda.

Ismaelillo fue ya un libro extraño: con metros de apariencia popular y con el tema también popular de recuerdos del hogar y del hijo ausente; Martí elabora una poesía breve, pictórica, de rimas inesperadas, sintaxis compleja, arcaísmos y riquezas verbales, condensación y arte detallista.

Lengua y métrica son regulares; la fineza nueva se ve en imágenes de una sensibilidad tierna más viril. El Maestro sigue preocupado por su compromiso con la lucha civil y política, en el centro de esas costas se serena ahora como un lago: lago encantado, crepuscular, donde todo se vela tenuemente y entra en una bella irrealidad.

El romanticismo se había recargado con los años de mucha retórica, pero al Martí desnudar en Ismaelillo su ternura, esa desnudez, aunque romántica, pareció nueva, y los modernistas la consideraron y la considerarán por siempre inaugural.